Nomada Q : anish Kapoor

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Con capacidad para 500 espectadores el Ark Nova es una estructura modular inflable cuyas características acústicas permiten la realización de conciertos y otro tipo de representaciones artísticas.

Creada por el arquitecto japonés Arata Isozaki en colaboración con el escultor anglo-indio A nish Kapoor, han contado con el asesoramiento de los miembros del comité de organización del festival de música de Lucerna en Suiza.

Según sus creadores se trata de la primera sala de conciertos móvil a gran escala que se ha construido. Concebida hace más de un año, la estructura pop-up se abrirá al público el 14 de octubre proximo en una gira de conciertos que recorrerá algunas de las zonas más dañadas, por los efectos del tsunami que asolo las costas de Japón hace dos años.

Su forma oval hace referencia al paisaje que recoge el antiguo testamento sobre el arca que construyo Noé a su familia, y que sirvió de reservorio para las especies de animales. Que habitaban la tierra siendo salvados de perecer ahogados por el gran diluvio.

La sala de conciertos es una estructura fabricada con una membrana con propiedades especiales que insonoriza el interior. Contando con el escenario y el equipo de sonido necesario. La membrana se puede plegar y el equipo desmantelado en un tiempo máximo de dos horas.

Con treinta metros de diámetro, la longitud de la altura máxima es de treinta y seis metros. Diseñada para que el publico asistente ocupe plazas sentadas, la gran carpa permite la mejor visión del espectáculo que se representa independientemente de la ubicación y del ángulo de visión del espectador.

Debido al tsunami grandes extensiones de cedros, árbol tradicional japones tuvieron que ser talados. Siendo aprovechada su madera en la elaboración del mobiliario de la sala, los reflectores acústicos y el piso del escenario y la platea. Simbolizando su renacer a la vida después de la catástrofe y un homenaje a su cultura.

A tan sólo una hora en coche al norte de la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda, el parque de esculturas al aire de Gibbs Farm, es la culminación de un proyecto de Alan Gibbs, un coleccionista de arte que en 1.991.

Decidió emplazar su catalogo de instalaciones en un paisaje dominado por extensas praderas, donde en colaboración con arquitecto Noel Lane, ubicaron todas y cada una de las piezas acumuladas a lo largo de 30 años de adquisiciones.

El visitante del conjunto escultórico puede contemplar algunos de los mas representativos escultores, de la ultima parte de siglo XX, una selección cuyo valor se estima en 450 millones de dólares.

En total el recinto del parque escultural cuenta con casi mil acres que corren a lo largo Kaipara Harbour, un paraje natural situado a unas treinta millas al norte de la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda.

Dos perspectivas diferentes de la escultura titulada Horizontes de Neil Dawson

Horizontes de Neil Dawson es una de las primeras esculturas que se ubicaron de la granja de Gibbs. Instalada en uno de los puntos más altos de la propiedad también es una de las pocas obras que se pueden ver desde la carretera. Lo que parece ser un pedazo de papel dibujado es en realidad una construcción hecha de acero soldado.

Ocupando la mitad de un lago Floating islands of Inmortals emerge como un artefacto

Floating islands of inmortals esta inspirado en los edificios de oficinas en Beijing y el arte floral tradicional del feng shui. Creada por Zhang Wang es una ampliación de la llamada "paisaje en miniatura Chino.

El recinto escultural se tarda cuatro horas en completar su recorrido paseando por un sendero flanqueando por esculturas, la mayoría son asombrosamente sugestivas y perfectamente ubicadas en este paisaje costero bien cuidado y bucólico.

La búsqueda de un mundo ideal de inmortales dentro de estos paisajes en miniatura. Aparte de usar el material industrial de acero inoxidable para crear una montaña hueca, la obra conserva la imagen de una efímera isla flotante de los inmortales. En este caso, el artista ha creado una copia a escala de una roca en miniatura.

En palabras del propio artista, Rakaia es la culminación de una serie de esculturas, descriptivas de los viajes por su autor Peter Nicholls. Su trabajo tiene que ver con la tierra. El tiempo y los materiales, y el uso de todos estos recursos, son una constante en su propuesta.

La madera retorcida hace referencia a el recuerdo de los antiguos bosques y las fluctuaciones de las estaciones húmedas y secas, de modo que, descansando en un pequeño barranco que alguna vez fue una corriente, actúan como indicativos de los cambios de estaciones del Kaipara y su paisaje.

Anish Kapoor por su parte contribuyo con la pieza titulada Dismemberment, Site 1. Compuesta por una gran membrana de PVC se extiende entre las dos elipses de acero gigante, el trabajo de Kapoor es la arquitectura.

Y sin embargo, también tiene una calidad carnosa que el artista describe como "una piel desollada". La membrana carnosa de color rojo oscuro que este trabajo comparte con obras anteriores de carácter temporal.

Estas son algunas de las muchas obras que se pueden contemplar en un sin fin de combinaciones, de artistas de la talla de Richard Serra, Graham Bennett, Marijke de Goey, Sol LeWitt o León van den Eijkel entre otros. Con las que redibujan el paisaje donde están asentadas sus obras, dándole una lectura diferente.

El ser humano posee una vision curva que refleja lineal mente los objetos que observa. Basándose en esta propiedad óptica los artistas Ryan & Trevor Oakes trabajan con la visión binocular para realizar sus obras.

Técnica con la que consiguen crear un efecto cóncavo de lo que enfocan consiguiendo resultados espectaculares. Todo comenzó en 2002, cuando ellos estaban especialmente intrigados con la visión doble, un fenómeno más fácil de demostrar que de describir.

Los hermanos practicaban y finalmente dominaron el arte de dividir la vista a su antojo. Enseñaron a sus ojos para resistir actuando en conjunto, de tal manera que sin mucho esfuerzo, un ojo ve en primer plano y del fondo se encarga los de su hermano.

Ellos usan este caballete cóncavo dividido en una cuadricula realizada con alambre diseñado por ellos mismos, con el que consiguen aproximarse a la reproduccion de la curvatura de la visión humana. Ellos creen firmemente que la perspectiva que se origina en el Renacimiento para desde punto de vista artistico, no representa a la realidad.

El proceso es tan agotador físicamente como suena. Uno de los dibujos más difíciles de los hermanos Oakes, fue el que hicieron en el Millennium Park de Chicago. El cual requirió de un plazo de quinces días, de 10 horas cada jornada de intenso trabajo.

Para conseguir hacer una imagen de sólo 20 por 18 pulgadas. El método consiste en registra de forma exhaustiva cada línea de las baldosas de la plaza, cada edificio o cornisa. Trabajo arduo y minucioso que emplear para reproducir la escultura de Anish Kapoor titulada Cloud Gate. Una escultura curvilinea y esférica que actúa como un espejo. En este caso los artistas reprodujeron el Skyline formado por rascacielos de la ciudad dentro de la esfera. El resultado para que trates de imaginartelo es como quedaría el Parque del Milenio si se reflejara en la cabeza de un alfiler curvado.

Para la ultima edición del Monumenta los organizadores han seleccionado al artista de origen hindú Anish Kapoor, como en citas precedentes el escenario elegido para albergar la muestra, ha sido el Grand Palais des Champs-Élysées de París.

Un marco que por sus características es el lugar idóneo donde exhibir por sus dimensiones instalaciones como la de Leviathan. La instalación con tan evocador titulo esta inspirado en el libro del filosofo Thomas Hobbes, editado en 1.651 y que se titula de la misma forma.

Se basa en la figura del monstruo marino de Leviathan, que posee connotaciones bíblicas. Tratando de la relación del poder eclesiástico y del control que ejerce el estado sobre la libertad del individuo, aunque como sugiere el autor la relación de su obra tiene escasas similitudes con el texto del libro.

UN SOLO OBJETO, UNA SOLA FORMA, UN SOLO COLOR

Se trata de una instalación de carácter temporal realizada específicamente para esta muestra, se compone de una serie de cuerpos esféricos unidos por membranas. A los que el visitante accede por unas incisiones.

Elaborados con un material flexible como es el PVC, que posee la cualidad dual de ofrecer exteriormente un aspecto de densidad, y en las paredes interiores sin embargo permite que se filtre la luz. Creándose interesantes fenómeno visuales.

Como con anteriores intervenciones el autor emplea la materia para articular un discurso donde lo orgánico representa el eje central de la obra. En la que tan importante es lo representativo de la misma como la presencia activa del espectador que pasa a formar parte integral de la instalación convirtiendo en un elemento inmersivo.

Sin el cual el conjunto carecería de sentido. Su papel como invitado casual, consiste en recorrer y nutrir de tejido con las partículas de su ser el interior de la instalación, produciéndose una retroalimentación que enriquece ambas partes de forma simbioteca.

En total son 13.500 metros cuadrados que ocupan la practica totalidad del recinto, suponiendo una experiencia sensorial para el visitante. Que tiene la oportunidad de realizar una aproximacion al arte de este autor que recientemente ha inaugurado una retrospectiva en la India.

Muestra donde se hace un exhaustivo recorrido de su sugestiva trayectoria. En la jornada de apertura Anish rindió un emotivo homenaje a la figura del desaparecido artista y activista chino Ai WeiWei, deseando su pronta liberación